После смерти короля Людовика XIV в 1715 году культурный центр французской элиты переместился из королевского дворца в Версале в частные дома Парижа, что нашло свое художественное выражение в рококо (фр. rococo от rocaille «скальный, камень»), который представляет собой отказ от формального величия барокко.


Характеризуемый элегантностью, легкомыслием, цветочными мотивами, приглушенными цветами и изогнутыми, асимметричными линиями, рококо вскоре распространился на живопись, где его эстетика сочеталась с темами чувственной любви и природы. Стиль быстро распространился во Франции, а затем в Германии, Австрии, Англии и других европейских странах. В середине XVIII века при императрице Елизавете Петровне рококо появилось и в России.

Ниже приведены 10 знаковых произведений искусства, которые олицетворяют рококо во всем его разнообразии: от мифологических сцен до исторических портретов, от пышных пейзажей до роскошных интерьеров.

Паломничество на Киферу (1717)

Жан-Антуану Ватто приписывают рождение живописи в стиле рококо. Сочетая влияние фламандского мастера Питера Пауля Рубенса и таких гигантов Венецианского Возрождения, как Тициан и Паоло Веронезе, Ватто создавал динамичные композиции в ярко выраженных цветах. Его работы впоследствии вдохновляли великих деятелей рококо, в том числе Жана Оноре Фрагонара и Франсуа Буше.
.
Картина Ватто «Паломничество на остров Киферу» (1717), известная также как «Отплытие на Киферу», —  пожалуй, его самая известная работа. Картина объединяет пышные пейзажи в стиле эпохи Возрождения с аллегорической сценой, в которой группа пар либо возвращается, либо отправляется на Киферу, небольшой греческий остров недалеко от мифического места рождения Афродиты, который имеет издавна ассоциировалась с богиней любви. Каждая из трех пар на переднем плане представляет разные стадии отношений, в то время как летающие купидоны, взлетающие в небо, сигнализируют о любовных ассоциациях острова. Считается, что Ватто наложил на эту мифологическую подоснову один из сюжетных мотивов популярной в его годы комедии Флорана Данкура «Три кузины», «в котором упоминался чудесный остров, откуда ни одна девушка не возвращается без поклонника или мужа».

Картина, над которой художник работал более пяти лет, дала Ватто возможность вступить в Королевскую академию живописи и скульптуры. Принимая картину, длина которой составляет почти два метра, Академия также официально признала новый жанр, который положил начало живописи в стиле рококо: fête galante. Представляя придворных персонажей в идеализированной пасторальной обстановке, этот жанр отражал период французского Регентства - время между смертью Людовика XIV и правлением Людовика XV, когда Филипп II правил как регент. Это была эпоха мира и процветания, когда люди упивались празднованием ритуалов ухаживания.

Триумф Венеры (1740)

Будучи молодым художником, Франсуа Буше, родившийся в Париже, создавал офорты по рисункам Жана-Антуана Ватто. Позже он отправился в Италию, чтобы изучать как венецианское барокко, так и голландскую пейзажную живопись 17-го века. После того, как он вернулся в Париж в начале 1730-х годов, Буше получил признание как мастер мифологических сюжетов, таких как его «Триумф Венеры» («Рождение Венеры»)(1740 г), на котором изображена богиня Венера (также известная как Афродита) рожденная из морской пены в сопровождении морских нимф.

Буше развил игривое чувство эротизма как определяющего элемента жанра. Хорошо сбалансированная, но активная, беззаботная, и сексуально заряженная сцена демонстрирует рококо во всей его энергии и палитре. Чрезвычайно популярные в свое время работы Буше превратились в гравюры, фарфоровые статуэтки и гобелены, а за пять лет до своей смерти он стал первым королевским живописцем и директором Королевской академии, двух высших должностей во французском искусстве.

Встреча (1771-72) 

Картина Жана-Оноре Фрагонара «Встреча» или «Свидание» (1771–1772) из серии «Любовные приключения», была заказана как часть коллекции из четырех картин для любовницы короля Людовика XV, графини дю Барри. Вместе эти панели «Развитие любви» иллюстрируют развитие романтических отношений. Вторая в серии, «Встреча», изображает сцену, которая происходит после того, как молодая женщина приняла предложение руки и сердца своего возлюбленного; любовник залез на садовую стену, чтобы украдкой уединиться со своей невестой.

Подобно Франсуа Буше, в мастерской которого он когда-то работал, Фрагонар также находился под влиянием итальянского барокко и голландской пейзажной живописи. Однако быстрые живописные мазки, которыми прославился Фрагонар, представляют собой эволюцию поколений в рококо.

Вероятно, потому, что картины не были достаточно классическими, графиня вернула их Фрагонару, который создал еще семь работ из этой серии.

Брачный контракт (1742–44)

Уильям Хогарт известен своими революционными, нравственно поучительными работами, в которых карикатура указывает на беды британского общества XVIII века. Цикл картин «Модный брак» принадлежит к рококо, хотя и его британской вариации, поскольку Хогарт подшучивает над модными в Лондоне картинами таких художников, как Жан-Франсуа де Трой.

«Модный брак», или «Женитьба в стиле а-ля-мода» (1742–45), рассказывает историю вымышленного графа Сквандера, который планирует женить своего сына на дочери богатого торговца. Первая картина это цикла, «Брачный контракт» (1742–44), указывает на моральные недостатки персонажей: граф сидит напыщенно рядом со свитком с подробным описанием своего генеалогического древа, в то время как торговец пытается купить социальный статус; Между тем молодая пара игнорирует друг друга. Невеста выглядит удрученной, потому что ее жених вернулся из континентальной Европы не только в модном парижском наряде, но и с сифилисом, о чем свидетельствует черная отметина на его шее. Две собаки, скованные вместе у их ног, символизируют их брак.

Работы Хогарта обнажаяют неприглядную изнанку под очаровательной беззаботной поверхностью модного стиля рококо.

Портрет маркизы де Помпадур (1748–1755)

Подруга и бывшая любовница Людовика XV, маркиза де Помпадур была покровительницей таких великих мыслителей, как Дени Дидро и Жан-Жак Руссо. Она стремилась убедить короля отстаивать идеи Просвещения, которые пронизывали парижское общество.

На картине Морис Кантен де Латура маркиза де Помпадур сидит на стуле с партитурой в руках безмятежно глядя в сторону. На ее столе покоятся пьеса, энциклопедия, тексты Вольтера и Монтескье, глобус и гравюра.

Несмотря на серьезность картины и ее относительную сдержанность, проявляющуюся в отсутствии украшений и простой прически маркизы, она, тем не менее, демонстрирует некоторую причуду рококо в синих тонах и цветочных мотивах, которые переплетаются по всей композиции, визуально объединяя роскошное платье маркизы с ее окружением. Это свидетельство выдающегося мастерства де Ла Тура, которое он использовал, чтобы перенести традиционно формальную портретную живопись в более личную психологическую сферу.

Карл III, обедающий перед двором (ок. 1775)

Луис Парет-и-Алькасар, известный как «испанский Ватто» из-за своего умелого подражания стилю французского рококо, начал и закончил свою жизнь в Мадриде, где в Национальном музее дель Прадо находится его знаменитая картина «Обед Карла III и Государственного совета» (Карл III, обедающий перед двором) (ок. 1775). На картине изображен король Испании Карл III, когда он обедает в Королевском дворце в Мадриде в сопровождении собак, послов, министров и слуг, в том числе того, кто подает ему воду и вино на коленях. В реальности представители общественности наблюдали, как королевская семья ест в своих покоях.

Художник вставил в картину мифологические сцены, представляющие такие темы, как любовь, патриотизм и охота, что усилило зрелищность вокруг необычного объекта королевской портретной живописи. Считается, что виньетки изображенные художником шутливо отсылают к внутренним мыслям короля. Шутливость и загадочность работы усугубляет то, что ее заказчик неизвестен, а художник подписал свое творение греческими буквами: «Его создал Луис Парет, сын его отца и матери».

Свадьба императора Фридриха (1751–52)

Работы художника Джованни Баттиста Тьеполо, демонстрируют родство с мастером венецианского Возрождения Паоло Веронезе.

В «Свадьбе императора Барбароссы с Беатрис Бургундской» (1751–1752) Тьеполо изобразил сцену местной истории. 10 июня 1156 года на хофтаге в городе Вюрцбург состоялась пышная церемония бракосочетания императора Священной Римской империи Фридриха Барбароссе и Беатрис Бургундской. Новая императрица сразу же обратила на себя внимание элиты Империи: ей не было ещё и 20, она обладала утончённым вкусом, была хорошо воспитана, прекрасно говорила на нескольких языках, разбиралась в куртуазной культуре. Бургундка подарила Фридриху Барбароссе 11 детей.

Сцена происходит в богатом архитектурном пространстве, изобилующем арками, колоннами и балконом, с которого играют музыканты. Среди глубоких красных, рыжих и золотых оттенков явно выделяется роскошное платье Беатрис типичных для рококо бледно-голубых и кремовых тонов.

Признание в любви (1731)

Жан-Франсуа де Труа получил образование художника-историка сначала у своего отца-художника, а затем в Риме, где в 1738 году он стал директором Французской академии этого города. Но его нововведением был жанр tableau de mode: простые но подробные сцены досуга зажиточных людей.

Картина Признание в любви (1731) является определяющим примером жанра. На этой веселой картине, написанной маслом, группа благородных дам и джентльменов останавливается у сада, в то время как один из молодых людей становится на колени и преподносит своей возлюбленной корсаж. Обойдя дам по обе стороны, трое джентльменов почти сливаются с окружением, поскольку их серо-коричневые наряды сочетаются как с землей, так и с классической садовой стеной. Дамы, однако, появляются в причудливых платьях с цветочными узорами, которые, наряду с уличной обстановкой и романтической темой, создают визуальный праздник рококо.

Мария-Антуанетта в придворном платье (1778)

Элизабет Луиза Виже Лебрен родилась в Париже в то время, когда женщинам было отказано в формальном художественном образовании. Она получила обучалась у своего отца, и уже к пятнадцати годам стала успешным профессиональным художником. В 28 лет благодаря заступничеству Людовика XVI и Марии Антуанетты, она получила место в Королевской академии живописи и скульптуры.

Как официальный портретист Марии-Антуанетты, 22-летняя Виже-Лебрен впервые нарисовала печально известную королеву в 1778 году по приказу матери Марии, императрицы Марии Терезии Австрийской. Драпировка, сложные узоры и цветочные элементы здесь сочетаются с эстетикой рококо, но, хотя Виже-Лебрен придерживается цветов и тематики рококо, ее творчество колеблется между этим стилем и впоследствии вытеснившем его неоклассицизмом.

Покинув страну, когда началась Французская революция, она продолжила плодотворную карьеру в Италии, Австрии, Германии и России, прежде чем в конце концов вернулась во Францию. Всего Виже-Лебрен написала более 600 портретов, большинство из которых изображают женщин.

Голубой мальчик (ок. 1770)

Томас Гейнсборо был английским портретистом, пейзажистом и гравером. Наряду со своим соперником сэром Джошуа Рейнольдсом, он считается одним из самых важных британских художников второй половины XVIII века. Ему удалось соединить два основных направления эпохи, казалось бы, взаимно исключающих друг друга: скромный реализм голландского пейзажа и французскую легкость рококо.

«Синий мальчик» (ок. 1770) — одна из самых узнаваемых работ Гейнсборо — портрет розовощекого мальчика в элегантном  наряде в натуральную величину, на котором, скорее всего, изображен сын состоятельного торговца Джонатан Баттолл. Мальчик изображен на живописном фоне резко контрастирующем с изящным нарядом. Лазурный костюм мальчика, созданный под влиянием фламандского художника 17 века Энтони ван Дейка, был одной из первых попыток Гейнсборо нарисовать одежду в стиле Ван Дейка. Возможно, это также было ответом художника своему сопернику  Джошуа Рейнольдсу, который утверждал, что холодные цвета, такие как синий и зеленый, не должны занимать видное место в произведении искусства.